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OUVREZ LES YEUX, un monsieur GONDRY
Los Sueños en Michel Gondry y los Caballeros que no Despiertan
(parte 1) 
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Cuando sueñas, el mundo
toma un nuevo orden donde
arriba no es arriba y lo
lógico deja de existir,
de ser una carga en tu
espalda. Cuando cierras
los ojos, el camino más
corto de un punto a otro
puede ser cualquiera que tú desees.
Si hay algo que domina este mundo onírico son tus recuerdos y tus pulsiones: lo que siempre quisiste ser, lo que siempre odiaste y lo que siempre temiste. No hay reglas ni orden aristotélico: solo impulsos, recuerdos y proyecciones, todo mezclado sin tiempos, líneas ni destinos… Pero siempre entendible en tu cabecita soñadora: en tus sueños recibes el orden y das el orden.
A lo largo de la historia, la humanidad se ha preguntado sobre los sueños y ha buscado interpretarlos. Toda tu vida te haz preguntado y haz interpretado tus sueños.
Y si en el cine podemos encontrar el reflejo de las preocupaciones humanas (como el miedo político, el odio a la represión, la fuga al control, el escape al tedio), hoy en día el francés Michel Gondry puede ser el claro ejemplo de la legendaria interrogante del ser humano sobre este mundo de sueños... Prove-niente del mundo del videoclip (habiendo trabajado innova-doramente con Bjork, Masive Attack, Cibo Matto, Daft Punk, Chemical Brothers), las creaciones de este director francés no analizan fríamente un fenómeno ajeno. No. El cine de Gondry vive las historias como sueños, guiando a sus personajes por emociones como el amor, el miedo, la desesperación o la ruptura del corazón. Estas emociones trastocan su vision de lo real y la fragmentan, alterando su presente, pasado y futuro e imprimiendo un orden generado por las pulsiones.
Muchas veces estos personajes pierden la cabeza y al ver su realidad alterada, borran el control de su vida y caen en un torrente emocional, una fiebre que los sube y los baja y los vuelve a subir, yendo y viniendo en la búsqueda de un amor que, esperemos, llegue algún día y calme un corazón desequilibrado y confundido. Esta sensibilidad caótica, bajo el prisma de Michel Gondry, se plasma en un planteamiento visual y dramatúrgico fragmentado y a simple vista desordenado, que escapa a todo orden tributario de Aristóteles y su inicio-plot-medio-plot-desenlace. El mundo Gondry se expresa mediante escenas de vida, células de sensaciones intertemporales y atemporales, unidades aisladas que generan un sentimiento y cobran una tonalidad mayor al mostrase como un todo hacia el final de la película. No se expresa paso a paso, sino como suma de partes, como un total que se entiende a partir de la union de imágenes a veces incomprensibles en su particularidad. Va de un plano ¨real¨ a un plano ¨onírico¨ sin códigos ni transiciones que lo marquen sino con la misma naturalidad con que uno cambia de plano existencial cuando tu propia vida se desenfrena y el límite entre tus sentimientos internos y tu expresión externa desaparece. Podríamos decir que el narrador de la historia se mimetiza con la cabeza de los personajes y percibe el mundo como estos lo sienten, perdiéndose en su velocidad y en su caos… Porque del caos saldrá el orden y el orden no es racional sino intuitivo y sensible.
Si bien muchos pueden tildar a Gondry de posero, pop star o postmoderno floro, tras superar una sospecha inicial le hemos agarrado cariño. Hasta se puede decir que lo queremos, y lo queremos simplemente porque sus películas nos emocionan, porque tras su ligera frialdad francesa hay un pequeño corazón latiendo bajo la figura de Kate Winslet y Kirsten Dunst en Eterno Resplandor de una Mente Brillante, o encarnado en Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourg en La Ciencia de los Sueños… Porque más allá de trucos de edición, ideas ¨novedosas¨ o soundtracks sugestivos (tema clave para un artículo propio), nuestros ojos pueden percibir la carga emocional de una memoria robada, de una novia desaparecida o de un amor sublimado.
Y a estas alturas del artículo, cuando ya hemos expuesto nuestro agrado por el cine de Gondry, nuestra emotividad antes sus historias y nuestro placer ante su puesta en escena sugestiva y sensorial, cabe aclarar que tampoco creemos que este señor sea el centro del universo ni el hijo iluminado del mundo onírico. Los films de Michel Gondry nos gustan mucho, sí, pero tenemos claro que ellos no inventaron este cine de los sueños. No, no, no muchachos. 
Pasemos a hablar de los caballeros que vivieron soñando sin despertar. Desde los inicios de la cinematografía mundial ya encontramos al muy querido George Meliés con sus efectos especiales que hoy nos causan tanta gracia por su ingenuidad pero que son el inicio claro del cine como ficción y fábrica de fantasías (diferenciándose de los hermanos Lumiere, a quienes los críticos emparentan con la paternidad del cine documental… cuestión de perspectivas). Si bien estamos hablando de los inicios del cine, y las intensiones del señor Melies no eran más que entretener y experimentar con el rudimentario cinematógrafo, podemos proyectar en sus cortometrajes la interrogante del ser humano sobre lo que hay más allá o sobre los lugares oscuros de la mente en el más acá. No refleja al hombre que sufre en su cuarto terrenal sino al joven que viaja a al luna o desciende a los infiernos cada vez que cierra los ojos en su cama. El sueño de una nación: conocer los secretos, las verdaderas respuestas sobre la existencia del hombre. Y eso se refleja en la iconografía utilizada, imágenes a veces naif, a veces burdas, aunque siempre en calidad artística de show (de antaño): este cine no buscaba un respaldo científico o psicoanalítico a sus creaciones sino una conección directa con los sueños de sus espectadores mediante historias de fantasia y narración estimulante.
Extracto de Eclipse de Sol en Plena Luna de Georges Melies (con música adicionada por algún cibernauta
Tres décadas después nos encontramos con uno de los directores más queridos pero a la vez menos prolíficos. Su nombre era Jean Vigoy con sólo un largometraje y un mediometraje entró a la historia del cine. Con una narrativa que en momentos escapa del cuento clásico y se identifica con el surrealismo, toca pasiones humanas y muestra cómo estas escapan a la imagen de lo real, desplegando un planteamiento visual arriesgado y novedoso con cámaras lentas, cámaras rápidas, sobreimpresiones, cámaras en retroceso, personajes fuera de contexto, etc... Así, en El Atalante vemos como la realidad muta en una percepción de un amor suigeneris y loco. O en la joyita Zero en Conducta, centrada en el mundo infantil de un colegio y las mentes de sus niños intentando escapar a las rejas de la conducta y el deber ser... La rebelión de los niños en la escuela es una rebelión contra toda lógica totalizante, y así los escolares generan caos no sólo contra las reglas de la institución si no contra los patrones de eso que el espectador puede llamar naturalismo. Así, Jean Vigo tiene de ternura y cariño por los niños (igual que Truffaut años después), del amor loco a la manera de los artistas malditos (habla Rimbaud), de vena surrealista (la mayor expresión de la búsqueda del mundo de los sueños) y de subversion visual… Todo unido en una de las cinematografías más cortas pero a la vez más líricas de la historia del cine. Esa es la palabra: Lírica. La lírica del sueño.
Extracto de Zero en Conducta de Jean Vigo
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>>> CONTINÚA >>>
En la próxima edición de TU FANTASMA podremos leer la segunda parte de este artículo. Conoceremos un poco más sobre monsieur Gondry y los Caballeros que no Despiertan.
Escrito por: Francisco Alvarez
+ INFO (Pronto en Ojo Fantasma TV)
- Trailers de los Films de Michel Gondry
- Videografía Selecta de Michel Gondry
- Cortos de George Meliés
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GOOD MORNING BLOODY GIRL
Morvern Callar de Lynne Ramsay y May de Lucky McKee 
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Erzezeth Bathory era llamada
la Condesa Sangrienta. Vivió
y murió hace siglos. Mató a
muchísimas jovencitas, para
luego beber su sangre e intentar
alcanzar así la eterna juventud.
Sin embargo hoy no hablaré de ella sino de otras dos mujeres, dos damas que tras sus ojos esconden una línea de sangre roja y profunda. Ellas buscaron amor y encontraron oscuridad. Amaron la vida y vivieron en la muerte. El sufrimiento les abrió la puerta hacia ellas mismas y así encontraron su destino maldito, su escape de la realidad, su felicidad en los brazos de la noche.
Hoy hablaré de dos películas que he visto en los últimos años. Como era de esperarse, ninguna llegó al circuito comercial de cine en nuestra capital. Fue el cable, los dvds o algún vhs grabado los que permitieron que gozase de sus protagonistas, lindas chicas con un destino marcado y una carga siniestra pero a la vez vital. Opuestamente a los que parece, no son films de terror y vampiros, son dramas existenciales, comedias y búsquedas de venganza. Y más que reseñas, lo óptimo sería que las traten de ubicar, o si las han visto, coméntenlas y difúndanlas… O simplemente véanlas de nuevo. Con una sonrisa en la boca y un chorro de sangre en las manos, ellas se lo agradecerán.
MORVERN CALLAR
de Lynee Ramsay
Es un día como cualquier otro en alguna ciudad de Escocia. Las horas pasan, las vidas pasan... Morvern Callar encuentra a su enamorado muerto en el piso que compartían. Se había suicidado, pero previamente le grabó como regalo un amoroso mix tape (genial soundtrack a la vez). Morvern, en shock, no tiene mejor idea que desaparecer el cuerpo: cortarlo en pedazos y deshacerse de sus partes. Luego, un periodo de silencio extremo y a continuar con la vida. Experimentar sus rutinas con sus amigos y parientes, pero desde una nueva óptica: nadie más sabe de la muerte. La sangre ha tocado su vida y sera su nueva compañera.
Así, transcurriendo entre desenfrenadas fiestas, días de trabajo en el market, noches locas en raves de Ibiza, Velvet Underground, Can, Aphex Twin, Broadcast, etc, apreciamos una brillante actuación de Samantha Morton, en este emotivo (no sentimental) y musical film dirigido por Lynne Ramsay, basado en el libro del mismo nombre escrito por Alan Warner. Búsqueda existencial bajo la sombra oscura de la época post rave. El machacante ritmo del house music no es un llamado de fiesta si no una procesión de sangre tras los ojos de la triste 'Morvern.
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MAY
de Lucky McKee
May es una linda chica, de esas que no ganarían concurso de belleza alguno ni que impresionarían con su estilo, con su fashion desgarbado. Tiene los ojos extraños, unos lentes anchos, la piel muy pálida y el pelo muy negro… Sin embargo es linda Lleva esa belleza de lo oscuro, de las muñecas darkies, de las niñas que no se adaptan a ningún lado, que se creen feas y se odian por no tener a los chicos bonitos. Es torpe y dulce. Trabaja en una veterinaria y nunca ha tenido enamorado. Coce ropa y colecciona muñecas. Así es May, la chica rara del barrio.
Así, su vida transcurre sin mayores sobresaltos hasta que se enamora de un galancito igual de oscuro que ella pero más sociable. Menos freaky. Menos extremo que lo que ella pensó. Así, nuestra querida May abre sus sentimientos hacia este sujeto amante del gore y el cine de terror… Pero lo termina ahuyentando: es demasiado sádica y extraña para él. May llora. May no entiende. May y sus muñecas no comprenden al mundo. Sóla y triste, nuestra linda May entra en trompo y producto de la desesperación, decide tomar su destino en sus manos. Si no puede encontrar al sujeto que la ame, lo tendrá que crear ella misma. Así, su futuro y el de el doctor Frankenstein tomarán caminos similares.
Interpretada por Angela Bettis, actriz fetiche del director Lucky Mc Kee, May es una entrañable comedia negra llena referencias al cine de terror (a manera de homenajes) y a la música de los cincuentas, cuando el rock and roll podía caer en cierta inocencia, inocencia similar a la de la linda May al llenar sus manos de sangre en busca de el amor perdido.
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Escrito por: Francisco Alvarez
+ INFO
- Website de MORVERN CALLAR, el film
- Sobre Lucky McKee, director de MAY
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Instante Sónico
ENCUENTROS CASUALES Y SIMPATÍA POR ZOOEY
She & Him
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Zooey Deschanel es el factor SHE
del recientemente sonado dúo
SHE & HIM. Zooey, como el
cuento de Salinger… Zooey…
una nueva encarnación de la
constante relación cine-música,
actriz-cantante… Zooey, la
contraportada musical al
sonado, publicitado y criticado
lanzamiento vocal de Scarlett Johannson.
Mientras Scarlett (linda siempre, pero lamentablemente superstar por ahora) copó los downloads de la gentita ¨indie¨, ¨rocker¨y ¨artie¨, Zooey iba filtrando sus ojos azules y pelo negro a través de tonadas sensibles mas no sentimentales, dulces mas no empalagososas, oda a lo sixtie mas no robo revival… De mano en mano, de contacto en contacto, sus canciones alegran corazones e inundan ipods alrededor del mundo… Zooey, la actriz que todos vimos como la hermana del protagonista de Almost Famous, que pronto estará en The Happening de Night Shyamalan, hoy decidió cantar y aquí la tienes, directo a tus oidos.
Pero este no es un artículo específico sobre Zooey. Acá hablamos de SHE & HIM, y así como la muchachita esta es el factor SHE, tenemos que mencionar al factor HIM, que lleva el nombre de M. Ward y es un conocido guitarrista y compositor de Portland. Ambos se conocieron al grabar una canción de Richard y Linda Thompson para la película The Go Getter. Surgió la amistad y la química artística. Tanto Zooey como M. Ward habían crecido escuchando las estaciones de radio de Los Angeles, y recordaban la música que ya no se pincha en la actualidad: Les Paul and Mary Ford, The Ronettes, Nina Simone, Chet Atkins, the Carter Family y mucho más.
De conversa en conversa, SHE le cuenta a HIM que tiene muchas canciones escondidas bajo la almohada, viviendo ocultas por el miedo y la falta de impulso. Sin pedir más, M. Ward convence a Zooey y llevan a la realidad estas composiciones, uniéndolas a algunas de el señor en cuestión y formando así el dúo del que hoy día he decidido hablar. Y si he decidido hablar hoy es porque me ha gustado y nada más. Me ha gustado porque ella tiene una linda voz, versatil y hermanada a las cantadas pop go go de los sesentas. Una voz que se une a los arreglos de guitarra de M. Ward que arman el marco musical que cruza el espíritu folkie-indie que tanto suena hoy, con una airecito beatle-pop sesentero, agregándole unas gotas de sicodelia, un aroma country, una poca de aire nostálgico y una cierta coloración lejana a las nuevas tecnologías del sistema productor de sonidos transnacionales (es decir: música directa de espíritu-corazón a espíritu-corazón).
Black Hole - Live form SXSW
The Zombies + Smokey Robinson + The Supremes + Beatles + Country + Folk. Muchos son los referentes que mencionan los fans. Muchas son las actrices bonitas. Varios los duos indies que se forman de encuentros casuales, de simpatías arrebatadoras y sensibilidades encontradas. SHE & HIM es uno de esos duos y Zooey una de esas actrices, y hoy la tengo junto a su partner musical en mi MP3, frente a mi pantalla, a través de su disco titulado Volume One (como verán, no hay mucho rollo con el nombre). Él en la guitarra y producción, ella en la voz, piano y banjo. Tú, terminando de leer estas inspiradas palabras y yo, yéndome a dormir con los audífonos en mis oídos, cantando ‘Why Do You Let Me Stay Here’ y pensando que tal vez este sí era un artículo específico sobre Zooey.
Escrito por: Francisco Alvarez
+ INFO
- Website de She & Him
- My Space de She & Him
- She & Him en video (1), (2), (3), (4)
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Instante Sónico
BIENVENIDO AL MIX 01
La Memoria Irrumpe en Forma de Videoclip
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En épocas universitarias, la mente
humana suele dogmaticarse,
ser una piedra dura de roer...
O puede viajar en un mundo de
sensaciones, colores, ideas y
mundos psicotrópicos.
Siempre diferentes. Siempre
reales.
Cierto día llegó el planeta sónico a mis oídos. No tenía nombre pero sí una gracia: ir por lo experimental, yendo de la bulla de guitarras desgarradoras a la armonía cristalina de gotas de agua en la frente (podemos hablar de showgaze, dream pop, indie... o sólo rock). El mundo era un abanico de sonidos que explorar a la par que los estados mentales que estos te ofrecían. Los compañeros de viaje y yo buscamos en tiendas de antigüedades y encontramos algunos seres extraterrestres de años atrás a los cuales escuchar. He aquí algo de lo que se podía oir en esas épocas. Viajen...
Pixies - Caribou
Sonic Youth - Kool Thing
Sonic Youth - Super Star
Mazzy Star - Fade Into You
My Bloody Valentine - Only Shadows
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Imágen Fantasma
VIOLENCIA EN LA MENTE
Sobre Tropa De Élite y Omnibus 174 de José Padilha
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Si un nombre tiene la mente
del capitán Nascimento, ese
nombre es Violencia. Su cabeza
es una bomba de presión a
punto de estallar: su vida,
un conjunto de emociones
extremas, brutales acciones
y serena mirada, la fría mirada
del guerrero con destino de
muerte en medio de un campo
de guerra llamado Río de Janeiro.
Nascimento es líder de una brigada especial, grupo experto de la policía encargado de mantener el equilibrio social entre paz y violencia, legalidad y narcotráfico. Vida y Muerte. Miedo y Honor. Debe combatir a los narcos más avesados de la favela carioca. Debe matar y no morir. Debe destruir y luego callar, abrir sus ojos de odio y disparar directo al blanco, para luego llegar a casa y en silencio ocultar su realidad ¿Héroe o asesino? Su cabeza está a punto de estallar en esta Tropa de Élite.
Si bien es tachada de fascista por ingresar en las contradicciones mentales de un policía brutal y narrar su día a día sin cuestionamientos. Si bien es acusada de superficial y vacía por narrar la violencia urbana de la favela sin intentar explicaciones ni contextualizarla, anclando en una narrativa galopante a ritmo de cámara en mano, actuaciones sólidas y ráfagas de metralleta estilo documental. Si bien es resistida y señalada por sociólogos (1), no podemos negar la trascendencia social del film Tropa de Élite considerando que fué y es un fenómeno de taquilla a la vez que cinema clandestino, anti marketing de barrio, de boca en boca, de gente de calle… y pronto estará en la cartelera nacional (por lo menos eso anunció un el representante de una distribudora internacional mainstream… a ver pues)
Estando en proceso de postproducción, tres meses antes de su estreno, alguna mano pirata robó una copia del film y la infiltró en el Mercado Paralelo del cine que no paga impuestos. La producción había llamado la atención de la gente por su temática violenta, por el ordenamiento bajo patrones de género de una realidad diaria brasilera… y básicamente porque la mayoría de personas odia a la policía y querían ver que se decía de ellos. La copia pirata corrió de mano en mano, de mercado en mercado, de ciudad en ciudad, llegando a ser vista por 9.5 millones de personas y formando así un fenómeno social de tal magnitud que la BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales, la verdadera Tropa de Élite) quiso impedir su estreno… pero no logró. Al entrar a las salas de cines, el film alcanzó cinco millones de espectadores, que está muy bien para una historia de ese tipo. Luego pasó al circuito de festivales mundiales, causando opiniones encontradas, amores y rechazos… alcanzando el Oso de Oro en el Festival de Berlín.
Trailer de Tropa de Elite
Tropa de Elite es la primera película de ficción del documentalista José Padilha, de quien vimos hace unos años la dura y fascinante Omnibus 174. Era el Festival de Cine de la Católica, y sin más promoción que una interesante sinopsis en algún folleto perdido, ingresé a la Sala de Cine de donde dos horas más tarde saldría admirado. Este riguroso documental narra y analiza un hecho que marcó la vida de los cariocas y cuestionó la presencia de los medios masivos en Rio de Janeiro: un joven armado, de largo historial pero de personalidad poco violenta, se ve envuelto en un pequeño asalto que las circunstancia transformaron en un aparente rapto agresivo a todos los pasajeros de un omnibus, el Omnibus 174. Llegaría la policía, y luego los periodistas, la radio y le teve, los vía satelite y las transmisiones en vivo. Presión mediática directa al joven asaltante de ego frágil, quien perderá los papeles y se verá inmerso en un frenético ritmo de acciones, decisiones y violencia, y que llevará a un final que hoy no les voy a contar. 
Pero lo interesante de Omnibus 174 no son sólo los sucesos del rapto de pasajeros en Río. Llama la atención el despliegue mediatico que dicho evento concitó, acción de los medios que determinó directamente el desarrollo de los fatídicos sucesos. Se crearon teoría rebuscadas, se retransmitió hora tras hora, se creó del asaltante un personaje mediatico bajo el título de enemigo público. Los medios pusieron nombres, narraron acciones y dieron la forma que les favoreció a un hecho fortuito y magnificado. Crearon un discurso artificial que determinó las decisiones del asaltante, que presionó y marcó el accionar de la policía y que encaminó los reclamos de la ciudadanía. En pocas palabras, determinaron los hechos. He aquí la hipótesis central del documental.
Especial en TV sobre Tropa de Élite
Luego, siguiendo en el mundo del documental, co–dirigió Brazil´s Vanishing Cowboys (título en IMDB) para la television y produjo Estamira de su compinche Marcos Prado… Y luego vino Tropa de Élite, cuyo guión escribió junto a Braulio Mantovani y Rodrigo Pimentel, basado en un libro de André Batista, Luiz Eduardo Soares y Pimentel, además de mucha investigación y entrevistas. Teniendo como personaje central a Nascimento (gran actuación de Wagner Moura), acompañado de Caio Junqueira y André Ramiro, Tropa de Élite es un tour de force en las acciones violentas y focalizadas de esta brigada especial, en el cerebro de sus integrantes, sus contradicciones, su corrupción y a la vez su honor, su virtud y su brutalidad. Es un viaje por los laberínticos pasadizos de las favelas, la diversion, las armas y música. La compra y venta de drogas: un submundo habitando las colinas circundantes de Río de Janeiro, que a estas alturas cabe preguntarnos si merece ser llamado submundo o si más bien es el verdadero mundo, donde nace la mayoría de la población, donde se siente el impacto económico general y donde se vive la verdadera realidad social, la realidad de la violencia, la violencia que habita la mente de la mayoría de habitantes del planeta Tierra.
Escrito por: Francisco Alvarez A
+ INFO
- Website Oficial de Tropa de Elite
- ¨Omnibus 174¨ +¨Noticias de una Guerra Particular¨ en Youtube (en portugués)
(1) Acá en Perú, dicho film puede causar controversia debido al nivel de abuso policial y militar vivido por nuestra población, que incluso alcanzó niveles escalofriantes de masacre y que hoy en día se pueden apreciar en el juicio a Fujimori por los asesinatos de La Cantuta y Barrios Altos (que no son los únicos casos conocidos en los últimos 25 años)
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Instante Sónico
LA BANDA MÁS FAMOSA QUE JAMÁS GRABÓ UN DISCO
The Screamers
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The Screamers hace punk,
pero lo hace con sintetizadores.
La cosa cambia bastante: la
euforia punk por momentos
se torna hipnótica, sin abandonar
por ello la adrenalina originaria
sino agregándole un componente
enigmático. Es una cosa raraza.
I wanna hurt, por ejemplo, te crea emociones encontradas: te quedas pegadazo y quieres saltar como un poseso al mismo tiempo. Te paraliza. El grupo nunca sacó un disco. Lo que yo he oído son demos que parecen grabados en un garaje con una grabadora casera. También hay unos cuantos videos en YouTube que los distinguen de cualquier otro grupo punk de la época: debido a la intención de montar una performance, es decir, la imagen se une al sonido, pero no sólo como un look contestario, sino para configurar una acción, que finalmente resulta una manera más directa de comunicarse.
Le dieron la vuelta al punk, le encontraron un sonido que anticipaba los movimientos under —y no tan under— que vinieron después, donde los sintetizadores se volvieron ley. No obstante, el asunto más extraño de todos es la siguiente pregunta: ¿por qué no sacaron un disco? Sobre todo, si alguien —yo en este caso, aunque definitivamente no soy el único— repite y repite que son recontra buenos.
Podríamos remontarnos al origen. Esta banda ya salía en la prensa antes de siquiera tocar en vivo. Por ejemplo, el logo que les hizo Gary Panter —un dibujito gritando— es símbolo no sólo del grupo, sino del movimiento punk en general. Lo que quiero decir es que sabían marketearse, que no es malo, pues si no lo hubieran hecho yo no los conocería ni, tampoco los cuatro gatos que espero vayan a leer este texto.
Gracias su capacidad innata para la auto-publicidad, no tenían la necesidad de tocar para que la gente los ubicara, de manera que no necesitaron grabar un disco.
Continuemos. La publicidad a veces funciona: The Screamers se puso de moda como no tienen idea entre los punks de Los Angeles —pues de allí es donde son. Pertenecen a la primera oleada de fines de los setenta y fueron la única banda sin contrato de grabación en tocar en el Roxy de Sunset Boulevard.
Se estaban convirtiendo en una agrupación de culto y ya era hora de que sacaran un disco. Y así lo entendieron, pero muy a su estilo: no se trataría de un disco propiamente dicho, sino de una serie de videos —antes de que existiera MTV, es decir, la idea resultaba realmente innovadora. Para tal fin, construyeron un pequeño estudio (si se pone atención a los videos colgados en YouTube, se reconocerá sin mucho esfuerzo que varios fueron filmados en el mismo lugar). El problema fue que en los ochentas se separaron y apenas llegaron a unos cuantos videotapes.
En el 2004, Target Video sacó un DVD de un concierto en el Mabuhay Gardens de San Francisco de 1978. En el 2000, algunos de los miembros de la banda se reunieron para tocar las viejas canciones como homenaje a Tomata du Plenty, lead singer de The Screamers que se había muerto hacía poco en San Francisco. Luego no ha pasado nada más, pero la gente los recordará siempre como la banda más famosa que jamás grabó un disco.
Escrito por: Eugenio Vidal
+ INFO
- Unofficial Website de The Screamers
- Post Mortem My Space de The Screamers
- The Screamers en video (1), (2), (3)
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Palabras de Más Allá
Y QUERER ATRAPAR EL VIENTO
De Cómo Las Pretensiones son Vanas
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...Y querer atrapar el viento!
Es un título demasiado pretencioso
¿no es cierto? Lo es, lo siento
mucho. Lo tomé de una frase
repetitiva en un texto de Salomón,
escrito hace casi tres mil años.
Eran las 4:30 am y yo estaba frente a la computadora, ansiosa, tratando de escribir, escribiendo, buscando palabras, pensando, jugando y revisando mi correo… cuando me encontré con la palabra ¨ecléptico¨. ¿Ecléptico? Por La Creación!! ¿Qué quiere decir?... Alguien había escrito en cuanto a su vena cultural que "mis gustos seguirán siendo eclépticos...". ¿Cómo? Lo más cercano a esa palabra en el viejo diccionario de casa es ¨eclíptica¨ , palabra que define el círculo máximo de la esfera celeste (Tierra), que corta al Ecuador en un ángulo de 23º y 27º . Esta indica el curso "aparente" del sol durante el año. ¿Habrá querido decir ecléctico ?... Un error de spelling: e - c - l - e - c - t - i - c - o .
Ecléctico (en palabras muy sencillas) es lo diverso en conjunto, es un aliño. Noten como el aliño puede integrar aceite de oliva, de maiz, de pepita de girasol con agua, vinagre, sal, pimienta, orégano, tomillo, o lo que se elija de acuerdo al criterio o gusto del que elabore preparación.
El diccionario se refiere al ecléctisismo como una escuela filosófica que trata de conciliar las doctrinas que se crean mejores o más verosímiles, aunque tengan su origen en sistemas diversos. Viene del griego eklego, que quiere decir ¨escoger¨. (5: 15 am.) Empecé a pensar en los peruanos y su forma tan eclética de ser. ¿Será parte de nuestra idiosincracia? Nuestra política poluta no sería tan poluta sino eclética...mmm ¿y los choferes de combi? y claro nuestra preciosa comida.
Estaba en eso precisamente, pensando en los peruanos y su ecléctisismo, cuando vi una palabra muy interesante justo debajo de la que acababa de encontrar. Esta brillaba. Sonoramente es muy gratificante pronunciarla: Eclesiastés (septuaginta en griego)... en fin. Así, por mera curiosidad, leí lo que el diccionario decía al respecto: Tratado sobre la Vanidad, escrito por el tercer rey de Israel, Salomón (970 - 930 a.C.)
La Vanidad.
El Hombre.
El hambre, el tiempo, el agua, el sol, la muerte, el olvido, la pena, el sudor, el trabajo, la mujer, el fin, el inicio, el polvo, el silencio, la risa, la cordura, la locura, el vino, el aire, la olla, la mesa y la cama... y mi cabeza "pensante" que no puede consigo misma, que todo el tiempo está en actividad.
Y es que en el fondo, muy en el fondo, todo resulta vano. Eso dice Salomón. Esa es la verdad. Todo, incluso la sabiduría y su búsqueda, llega a ser efímero e insubstancial si no se disfruta eso que llamamos estar vivo (refiriéndose a la calidad de vida… pero qué calidad de vida puede tener el hombre, dentro de éste sistema... junto a la miseria del otro). El texto en el Eclesiastés es verídico y sincero, en tanto da luz sobre la condición humana. (ese vacío inherente al hombre, esa búsqueda, ese afán, las decisiones, tribulaciones... desde siempre van hacia ningún lado).
Necedad, riqueza, trascendencia, perfección, creación, pretención, impresión, ilusión, conocimiento y saber... todo es vanidad, vano, y eso es querer atrapar el viento!, pues ya todo ha sido hecho, todo ha sido dicho, y no somos otra materia que la misma desde hace muchos siglos. Siempre cagaremos, tiraremos, comeremos, bajo la misma carne, el mismo hedor, la misma piel…
Ecléctico,
Eclesiastés,
Eclíptico...
Escrito por: Rita Solf
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